TROPIC ZONE (1953) by Lewis R. Foster [english]


Films with Rhonda Fleming that have not yet been released in good quality on DVD or Blu-ray are presented in the “Files”

The novel:

In 1952, producers William H. Pine and William C. Thomas bought the rights to Tom Gill’s novel “Gentlemen of the Jungle” (G. P. Putnam’s Sons, New York, 1939) specifically for Rhonda Fleming for TROPIC ZONE, the last of the four films under her first contract with them. “The tropics where blood runs hot” promises the new edition from Dell Publishing Company, and continues: with a price on his head and the hand of the world against him, a down-and-out young beachcomber is forced into a treacherous conspiracy against a lovely girl who operates a banana plantation in a Central American republic. There is quality in the man and he meets the chalenge squarely. Fighting tremendous and dangerous odds, he blazes his way along a twisty path of breath-taking adventure and flaming romance to win an exciting duel of wits.

In TROPIC ZONE Flanders White (Rhonda Fleming) operates a banana plantation in Puerto Barrancas, where Hans Lukats (John Wengraf), dishonest town boss and shipping head, crookedly controls the independent growers via his export power. Dan McCloud (Ronald Reagan) lands in the place on a plane pilofied by Tapachula Sam (Noah Beery), and accompanied by entertainer Elena (Estelita), who is in love with him. Lukats hires McCloud to serve as foreman for Flanders but his real job is to disrupt Flanders’ operations, now managed by Bert Nelson (Grant Withers). Instead, McCloud falls in love with Flanders. Action in the outdoor Technicolor adventure drama boils when McCloud goes about exposing Lukats, reaches an exciting climax (from the press book by Paramount Pictures).

In the press:


Producer William C. Thomas:

„As the fermenting bananas mellowed, TROPIC ZONE was the most talked-about picture on the Paramount lot. Gamblers took even-money bets on which would go first – the actors or bananas. The actors wouldn’t touch the bananas, and they wanted to go!“ („Hollywood’s Fabulous Dollar Bills; or, How to Make Money Making Movies,“ 1970).


„A typical western plot is transported to a tropical banana-growing country for this round of love and adventure offered under the Pine-Thomas banner … Reagan and Miss Fleming, the latter very attractive in Technicolor and several brief outfits designed by Edith Head, make a pleasing hero-heroine team. Estelita as a fiery café entertainer with a big yen for Reagan gives Miss Fleming some competition“ (Dec. 17, 1952).

Ian and Elisabeth Cameron:

„The inevitable romance is complicated by the presence of a third party, a jolly little singer who does most of her numbers dressed up as a chicken. Such a lady is not to be taken seriously as a rival to Rhonda … Nevertheless Rhonda is keen to see her: ‘They say she has a special appeal to the men. I’d like to study her technique.’ When they meet, Estelita tells her with raised-eyebrow defiance, ‘You try to take my Danny away and I think I kill you!’ ‘Some other time, please,’ replies Rhonda undeterred. The next day she’s discovered practising a few wiggles with bare midriff (or slightly above mid – because of Hollywood’s remarkable attitude at the time to the human navel)” („Broads,“ London 1969).

The TROPIC ZONE Gallery:

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Novel by Tom Gill, backcover
Novel by Tom Gill, backcover
"Gentleman from the Jungle"
With Ronald Reagan
Mexican lobby card, 1953
Mexican lobby card, 1953
Movie still
US poster
German poster
With Ronald Reagan



(German title: Tropische Abenteuer)
USA 1953 (Pine-Thomas Productions/Paramount Pictures), 94 min., 35 MM (1.37:1), Technicolor.
Producers: William H. Pine, William C. Thomas; Director: Lewis R. Foster; Screenplay: Lewis R. Foster (based on the novel by John Gill); Cinematography: Lionel Lindon; Technicolor Color Consultant: Monroe W. Burbank; Editor: Howard A. Smith; Music: Lucien Cailliet; Art Direction: A. Earl Hedrick, Hal Pereira; Set Decoration: Sam Comer, Ray Moyer; Make-up: Wally Westmore; Costume Design: Edith Head.
Cast: Ronald Reagan (Dan McCloud), Rhonda Fleming (Flanders White), Estelita Rodriguez (Elena Estebar), Noah Beery Jr. (Tapachula Sam), Grant Withers (Bert Nelson), John Wengraf (Lukats), Argentina Brunetti (Tia Feliciana), Maurice Jara (Macario), and others.
Premier: Jan. 1953; US box office rank (in the year of release): 158; US domestic actual box office grosses: $2.1 million.


Hits: 577

LITTLE EGYPT (1951) by Frederick De Cordova [english]


Films with Rhonda Fleming that have not yet been released in good quality on DVD or Blu-ray are presented in the “Files”

Historical facts:

„Little Egypt“ was the stage name for three popular belly dancers. They had so many imitators, the name became synonymous with belly dancers generall. Fahreda Mazar Spyropoulos, (c. 1871 – Apr. 5, 1937), also performing under the stage name Fatima, appeared at the “Street in Cairo” exhibition on the Midway at the World’s Columbian Exposition, held in Chicago in 1893.

In 1893, at the Egyptian Theater on the World’s Columbian Exposition Midway in Chicago, Raqs dancers performed for the first time in the United States. Sol Bloom presented a show titled “The Algerian Dancers of Morocco” at the attraction called “A Street in Cairo” produced by Gaston Akoun, which included Spyropoulos, though she was neither Egyptian nor Algerian, but Syrian. Spyropoulos, the wife of a Chicago restaurateur and businessman who was a native of Greece, was billed as Fatima, but because of her size, she had been called “Little Egypt” as a backstage nickname.

Spyropoulos stole the show, and popularized this form of dancing, which came to be referred to as the “Hoochee-Coochee”, or the “shimmy and shake”. At that time the word “bellydance” had not yet entered the American vocabulary, as Spyropoulos was the first in the U.S. to demonstrate the “danse du ventre” (literally “dance of the belly”) first seen by the French during Napoleon’s incursions into Egypt at the end of the 18th century. Today the word “hootchy-kootchy” generally means an erotic suggestive dance and is often erroneously conflated with the group of dances originating in the Middle East that we now call bellydance.



LITTLE EGYPT is a highly fictionalized 1951 film about the legendary World’s Fair dancer, produced by Universal International, and starring Rhonda Fleming in the title role. Its storyline: When a con man (Mark Stevens) and a New Jersey woman (Rhonda Fleming) try to scam a tobacco tycoon, the woman pretends to be an Egyptian princess and performs a suggestive dance to catch his eyes, only to be arrested and charged with indecent exposure.

World premier:

In the press:


Bob Thomas:

„The Johnston office has strict rules about such movements, whether they are historical or not. The bump, a forward motion of the hips, is verboten. Miss Fleming has to do it with a sideways movement. The grind, which is a clock like motion of the hips, is also banned. Miss Fleming can make only a semi circular movement. That is, from one to six o’clock, rather than the full 12 hours … The navel can’t be photographed in Hollywood movies“ (“Little Egypt’s Dance Too Hot For The Movies,” in: Daytona Beach Morning Journal, Dec. 1, 1950).

Eila Mell:

„[Shelley] Winters disliked the part so much that she purposely put on so much weight that she was replaced by Rhonda Fleming“ – (“Casting Might-Have-Beens,” Jefferson, North Carolina/London 2015).

Rhonda Fleming:

„I guess she was the forerunner of the present day burlesque queen. But she did it in an oriental and more refined way“ – (Dec. 1, 1950).

„Every hunch in my body told me to say no. I told myself I wasn’t a dancer, and Little Egypt earned her fame by dancing so how could I do the role justice? I said I was a redhead so I couldn’t possibly play a girl with jet black hair. I read the script and realized it was a diffucult acting assignment and doubted that I had the ability to handle the part“ – (Jan. 7, 1951).

„I have gotten more fan mail about it than I have from any other picture I have ever made. The letters have all been very nice, too – nothing offcolor at all. A lot of them are from soldiers who request photopgraphs“ – (Oct. 8, 1951).

„I ran it the other night because I hadn’t looked at it for years. And I thought, well, it was OK. I don’t know how well I did as a dancer though. I guess I did fairly well. But it was fun and sort of campy“ – (2008).


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With black wig
With black wig
Publicity Photo, 1951
Reading script
Reading script
On set, 1951
Newspaper advertising, 1951
Display photo, 1951
Unknown place, 1951
Unknown place, 1951
Running in Drive-In Theatre
Display photo, 1951
US poster, 1951
Dec. 1951
Dec. 1951
Photoplay Magazine


USA 1951 (Universal International Pictures), 82 min., 35 MM (1.37:1), Technicolor.
Producer: Jack J. Gross; Director: Frederick De Cordova; Screenplay: Oscar Brodney, Doris Gilbert, Lou Breslow; Cinematography: Russell Metty; Technicolor Color Consultant: William Fritzsche; Editor: Edward Curtiss; Music: Joseph Gershenson; Art Direction: Robert Clatworthy, Bernard Herzbrun; set decoration: Russell A. Gausman, Joseph Kish; Make-up: Bud Westmore; Costume Design: Bill Thomas.
Cast: Mark Stevens (Wayne Cravat), Rhonda Fleming (Izora), Nancy Guild (Sylvia Graydon), Charles Drake (Oliver Doane), Tom D’Andrea (Max), Minor Watson (Cyrus Graydon), Steven Geray (Pasha), Verna Felton (Mrs. Samantha Doane) and others.
World premier: Aug. 7, 1951 (Chicago); US box office rank (in the year of release): 118; US domestic actual box office grosses: $3.1 million; US box office (net earnings): $1.1 million; salary for Rhonda Fleming: $35.000.


Hits: 631

Nachruf auf RHONDA FLEMING (1923-2020)

Am Mittwoch, den 14. Oktober 2020 ist Rhonda Fleming im Alter von 97 Jahren im Saint John’s Health Center Santa Monica friedlich entschlafen. Sie starb nach einem einwöchigen Krankenhausaufenthalt an Komplikationen nach einer Aspirationspneumonie. Auf ihren Wunsch wurde Rhonda Fleming im Oktober 2020 auf dem jüdischen Friedhof Hillside Memorial Park in Culver City, Los Angeles County, im Familiengrab Ted Manns in den „Akaziengärten“ beigesetzt, wo nicht nur ihrer, sondern unter anderem auch Richard Brooks, Jeff Chandler, Jerry Goldsmith, Sam Katzman, Leonard Nimoy und Shelley Winters gedacht werden kann.

Im Dezember erscheint in der Ausgabe #40 des 35 Millimeter Retro-Film-Magazins mein Nachruf auf Rhonda Fleming. Um nicht zu lange warten zu müssen, hat nun eine etwa um die Hälfte eingekürzte Fassung des Nachrufs veröffentlicht. Mein ganz besonderer Dank hierfür gilt Alf Mayer:

Link zum Nachruf auf


Rhonda Fleming in: Zwei rechnen ab (Gunfight at the O.K. Corral, John Sturges, 1957)


Hits: 1065

Mediabook – DER WEITE RITT (1971) von Peter Fonda

Der weite Ritt (The Hired Hand, Peter Fonda, 1971)

Ich muss schon sagen, ich bin tief beeindruckt, von dieser Veröffentlichung, vor allem aber von diesem Film. So beeindruckt, dass ich hier – entgegen meinen sonstigen Gewohnheiten – eine Empfehlung dieses Mediabooks abgeben möchte. Peter Fondas erste Regiearbeit, der Western Der weite Ritt (The Hired Hand, 1971), ist am 11. April 2019 bei Koch Films in aufwendiger Ausstattung als Mediabook erschienen (technische Daten weiter unten).

Nach dem Welterfolg von Easy Rider (1969) erhielten Dennis Hopper und Peter Fonda für ihre nächsten Projekte von den Major-Studios jeweils $1 Million und künstlerische Narrenfreiheit: Story, Besetzung, Crew, Endschnitt – alles lag in ihrer Kontrolle. Nicht etwa, weil Old Hollywood von Easy Rider begeistert gewesen wäre, sondern weil der Film der Columbia $60 Millionen einspielte. Hopper drehte so 1971 für die Universal The Last Movie, Fonda für dasselbe Studio diesen Film. Die Universal war von den beiden Filmen entsetzt, Der weite Ritt ließ die Firma gerade mal eine Woche in den Kinos, Hoppers Film immerhin noch zwei Wochen. Und so verschwand ein Film aus dem kulturellen Gedächtnis und der Filmgeschichte, den man als einen Höhepunkt des amerikanischen Westerns in seiner jahrzehntelangen Geschichte bezeichnen kann – nein: muss.

Der weite Ritt ist kontemplativ, fast schon meditativ erzählt. Es ist die Geschichte der Suche des Westerners (Peter Fonda) nach Frieden und Heimat auf der Farm seiner Frau (Verna Bloom). Die Suche scheitert am Wesen Amerikas: seiner Gewaltkultur. Fonda (und Drehbuchautor Alan Sharp) lassen mit dem Schlusssatz des Films Warren Oates, dem Freund der Hauptfigur, erzählen, was sie von diesem Land halten: „Das sind Verbrecher.“

Was hätte man von Peter Fonda, dem „Captain America“ aus Easy Rider und der filmischen Identifikationsfigur der Hippie- und Protestkultur der 60er Jahre, auch anderes erwarten können? Nun, zumindest noch einen der schönsten und poetischsten Filme über die Natur und die Weite dieses Landes, visuell, musikalisch (Musik von Bruce Langhorne), wie rhythmisch. Fonda und Kameramann Vilmos Zsigmond verzichten sehr oft auf Schnitte zugunsten langsamer Überblendungen der Durchquerungen der Flüsse, Wälder, Wüsten, Steppen und Käffer. Nicht selten wirken die Figuren dadurch wie Gespenster, die nicht wirklich anwesend sind in diesem Land. In der vielleicht schönsten Szene des Films steht Peter Fonda auf seiner Farm und lässt seinen Blick durch die Röte des aufgerissenen Himmels eines Sonnenuntergangs schweifen, wie ein Beobachter, der von diesem Land ebenso überwältigt ist, wie von einer Landschaft und der Atmosphäre auf einem fremden Planeten. Den höchsten Preis für das Wesen dieses Landes zahlt allerdings seine Frau…

Fonda erzählt nichts wirklich Neues, in den großen „Adult Western“ von Walsh, Ford, Mann oder Boetticher wurde diese Geschichte einer „unmöglichen Heimat“ bereits erzählt – etwa in Colorado Territory (Vogelfrei, Raoul Walsh, 1949), The Searchers (Der schwarze Falke, John Ford, 1956), Man of the West (Der Mann aus dem Westen, Anthony Mann, 1958) und Comanche Station (Einer gibt nicht auf, Budd Boetticher, 1960) -, aber er verdichtet es erzählerisch wie formal enorm und dreht damit wahrlich den Western New Hollywoods, vielleicht sogar den allerletzten amerikanischen Western, der das erfüllte, was Peter Fonda selbst über das Genre sagte, dass „der Western das antike Dramas Amerikas ist.“

Der Bildtransfer der Blu-ray (wie auch der DVD) ist herausragend und der experimentellen Kameraarbeit mit ihrer komplexen Lichtführung, ihren teils grobkörnigen, teils glasklaren Bildern, mehr als angemessen. Die Fassung des Films entspricht der von Peter Fonda gewünschten. Dies alles, gemeinsam mit den umfangreichen und kompetenten Extras, macht Der weite Ritt jetzt schon zu einer der Veröffentlichungen dieses Jahres.


Technische Daten:


Koch Films (2019), Best.-Nr.: 1020448
1 Blu-ray, 2 DVDs.
Filmlänge: ca. 91 Minuten (Blu-ray), ca. 88 Minuten (DVD). Bildformat (Blu-ray): 1.85:1 (HD 1080p 24fps). Tonformat (Blu-ray): PCM 2.0. Sprachen: Deutsch/Englisch. Untertitel: Deutsch/Englisch. Extras: Trailer, TV- und Radiospots; Audiokommentar von Peter Fonda; Dokumentation “The Return of the Hired Hand” (ca. 59 Min.); Oates und Fonda beim National Film Theatre, 1971 (ca. 77 Min.); Dokumentation “The Odd Man” über Drehbuchautor Alan Sharp (ca. 52 Min.); Anmerkungen von Martin Scorsese; Josh Olson über “Der weite Ritt” (ca. 2 Min.); Zusätzliche Szenen (ca. 21 Min.); Bildergalerie mit seltenem Werbematerial; 20-seitiges Booklet (von Sascha Westphal).


Hits: 1638

Trash fürs Kommunale Kino – SUSPIRIA (2018) von Luca Guadagnino

Suspiria (Luca Guadagnino, 2018)

Es ist alles so deprimierend! So deprimierend wie “Deutschland im Herbst”, genauer, wie West-Berlin im Jahr 1977: die RAF, Schleyer, Stammheim, die Landshut. “Der Spiegel”, den eine der Protagonistinnen demonstrativ in der Hand hält, titelt: “Terror”. Wir sehen hausbesetzte Berliner Hinterhöfe, noch Holzbänke in der S-Bahn, abweisende DDR-Grenzer mit Pelzmütze, die den Visa-Stempel zücken, Transparente überall, Sprüche an der Grenzmauer (“Honecker muss weg!”). Angela Winkler (Deutschland im Herbst, 1978), die hier die Rolle der Alida Valli macht, spielt dann natürlich auch mit. Und früher gab es noch “Theresienstadt”, das erfahren wir spätestens dann, wenn Jessica Harper (das Original) ins Spiel kommt. KZ! Das ist ja noch deprimierender!

Thom Yorke, Frontmann der Depri-Rockband Radiohead, begleitet den ganzen Frust in Moll, während Dakota Johnson (als Jessica Harper) und Tilda Swinton (unter Anderem als Joan Bennett und als “Klemperer”) in tristen, abgerissenen Settings Dario Argentos und Daria Nicolodis Minimalgeschichte (Amerikanerin kommt in eine deutsche Tanzschule, wo die bösen Hexen hausen) mit todernst-trauriger Arthouse-Mimik auf zähe zweieinhalb Stunden auswalzen.

Der Film ist in mehrere Akte und in einen Epilog eingeteilt. Doch bereits ab Akt 2 beginnt der Kampf des Betrachters gegen die Zeit und der Film konsequent gegen alle drei filmischen Grundregeln Billy Wilders zu verstoßen (“Du sollst nicht langweilen”, “Du sollst nicht langweilen” und “Du sollst nicht langweilen”).

Luca Guadagninos Remake von Dario Argento Suspiria von 1977 ist dabei garnicht so eigenständig, wie es gelegentlich bereits geschrieben wurde. Argentos Geschichte der “Drei Mütter”, die Set Pieces, die Bezüge zu Deutschland und zur bildenden Kunst, die Gewalt sowie Sigmund Freud und C. G. Jung sind stets allgegenwärtig. In Guadagninos angestrengtem – und anstrengendem – Bemühen, sich dennoch vom Original abzusetzen, verwandelt er Argentos Ästhetizismus plakativ in eine (an dem Maler Balthus orientierte) Anti-Ästhetik. Das ist ja auch ein Konzept. Alles ist hier daher – vermeintlich – Anti-These zum Original (“besonders schön”/”besonders hässlich”, “besonders wilde Musik”/”besonders getragene Musik”, “besonders elegant”/”besonders abgerissen”, “besonders künstlich”/”besonders realistisch”, usw.), beruht dabei aber letzlich doch nur auf schematischen Wahrnehmungen von Argentos Film.

Getanzt (dies allerdings durchaus beeindruckend) wird daher mit schmutzigen Füssen, in farblich ausgewaschenen Bildern, in denen immer irgendwas unscharf ist; das West-Berlin von 1977 sieht aus wie die DDR von 1987 und aus der Art Nouveau- und Jugendstil-Ästhetik des Originals wird nun ein eklatanter Mangel an Malern und Tapezierern. Da Argentos Film ja irgendwie als “Arthouse”-Horror gilt, unterbreitet uns Guadagnino hiermit also seine Idee von “Arthouse” und da Argento stets “Gewalt filmte”, muss die Gewalt hier natürlich auch besonders grausam ausfallen. Herausgekommen ist am Ende ein in Rot getauchtes CGI-Splatter-Finale, auf dessen “Härte” Andreas Schnaas (Violent Shit, 1989) und Olaf Ittenbach (The Burning Moon, 1992) sicher stolz gewesen wären – aber das sind ja auch Deutsche. Da wäre es nur konsequent gewesen, den Radiohead-Sound gleich durch derzeit gängigen Depri-Deutschpop zu ersetzen.


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