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Mediabook – DER WEITE RITT (1971) von Peter Fonda

Der weite Ritt (The Hired Hand, Peter Fonda, 1971)

Ich muss schon sagen, ich bin tief beeindruckt, von dieser Veröffentlichung, vor allem aber von diesem Film. So beeindruckt, dass ich hier – entgegen meinen sonstigen Gewohnheiten – eine Empfehlung dieses Mediabooks abgeben möchte. Peter Fondas erste Regiearbeit, der Western Der weite Ritt (The Hired Hand, 1971), ist am 11. April 2019 bei Koch Films in aufwendiger Ausstattung als Mediabook erschienen (technische Daten weiter unten).

Nach dem Welterfolg von Easy Rider (1969) erhielten Dennis Hopper und Peter Fonda für ihre nächsten Projekte von den Major-Studios jeweils $1 Million und künstlerische Narrenfreiheit: Story, Besetzung, Crew, Endschnitt – alles lag in ihrer Kontrolle. Nicht etwa, weil Old Hollywood von Easy Rider begeistert gewesen wäre, sondern weil der Film der Columbia $60 Millionen einspielte. Hopper drehte so 1971 für die Universal The Last Movie, Fonda für dasselbe Studio diesen Film. Die Universal war von den beiden Filmen entsetzt, Der weite Ritt ließ die Firma gerade mal eine Woche in den Kinos, Hoppers Film immerhin noch zwei Wochen. Und so verschwand ein Film aus dem kulturellen Gedächtnis und der Filmgeschichte, den man als einen Höhepunkt des amerikanischen Westerns in seiner jahrzehntelangen Geschichte bezeichnen kann – nein: muss.

Der weite Ritt ist kontemplativ, fast schon meditativ erzählt. Es ist die Geschichte der Suche des Westerners (Peter Fonda) nach Frieden und Heimat auf der Farm seiner Frau (Verna Bloom). Die Suche scheitert am Wesen Amerikas: seiner Gewaltkultur. Fonda (und Drehbuchautor Alan Sharp) lassen mit dem Schlusssatz des Films Warren Oates, dem Freund der Hauptfigur, erzählen, was sie von diesem Land halten: „Das sind Verbrecher.“

Was hätte man von Peter Fonda, dem „Captain America“ aus Easy Rider und der filmischen Identifikationsfigur der Hippie- und Protestkultur der 60er Jahre, auch anderes erwarten können? Nun, zumindest noch einen der schönsten und poetischsten Filme über die Natur und die Weite dieses Landes, visuell, musikalisch (Musik von Bruce Langhorne), wie rhythmisch. Fonda und Kameramann Vilmos Zsigmond verzichten sehr oft auf Schnitte zugunsten langsamer Überblendungen der Durchquerungen der Flüsse, Wälder, Wüsten, Steppen und Käffer. Nicht selten wirken die Figuren dadurch wie Gespenster, die nicht wirklich anwesend sind in diesem Land. In der vielleicht schönsten Szene des Films steht Peter Fonda auf seiner Farm und lässt seinen Blick durch die Röte des aufgerissenen Himmels eines Sonnenuntergangs schweifen, wie ein Beobachter, der von diesem Land ebenso überwältigt ist, wie von einer Landschaft und der Atmosphäre auf einem fremden Planeten. Den höchsten Preis für das Wesen dieses Landes zahlt allerdings seine Frau…

Fonda erzählt nichts wirklich Neues, in den großen „Adult Western“ von Walsh, Ford, Mann oder Boetticher wurde diese Geschichte einer „unmöglichen Heimat“ bereits erzählt – etwa in Colorado Territory (Vogelfrei, Raoul Walsh, 1949), The Searchers (Der schwarze Falke, John Ford, 1956), Man of the West (Der Mann aus dem Westen, Anthony Mann, 1958) und Comanche Station (Einer gibt nicht auf, Budd Boetticher, 1960) -, aber er verdichtet es erzählerisch wie formal enorm und dreht damit wahrlich den Western New Hollywoods, vielleicht sogar den allerletzten amerikanischen Western, der das erfüllte, was Peter Fonda selbst über das Genre sagte, dass „der Western das antike Dramas Amerikas ist.“

Der Bildtransfer der Blu-ray (wie auch der DVD) ist herausragend und der experimentellen Kameraarbeit mit ihrer komplexen Lichtführung, ihren teils grobkörnigen, teils glasklaren Bildern, mehr als angemessen. Die Fassung des Films entspricht der von Peter Fonda gewünschten. Dies alles, gemeinsam mit den umfangreichen und kompetenten Extras, macht Der weite Ritt jetzt schon zu einer der Veröffentlichungen dieses Jahres.

 

Technische Daten:

DER WEITE RITT

Koch Films (2019), Best.-Nr.: 1020448
1 Blu-ray, 2 DVDs.
Filmlänge: ca. 91 Minuten (Blu-ray), ca. 88 Minuten (DVD). Bildformat (Blu-ray): 1.85:1 (HD 1080p 24fps). Tonformat (Blu-ray): PCM 2.0. Sprachen: Deutsch/Englisch. Untertitel: Deutsch/Englisch. Extras: Trailer, TV- und Radiospots; Audiokommentar von Peter Fonda; Dokumentation “The Return of the Hired Hand” (ca. 59 Min.); Oates und Fonda beim National Film Theatre, 1971 (ca. 77 Min.); Dokumentation “The Odd Man” über Drehbuchautor Alan Sharp (ca. 52 Min.); Anmerkungen von Martin Scorsese; Josh Olson über “Der weite Ritt” (ca. 2 Min.); Zusätzliche Szenen (ca. 21 Min.); Bildergalerie mit seltenem Werbematerial; 20-seitiges Booklet (von Sascha Westphal).

 

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JACKSON COUNTY JAIL (1976) von Michael Miller

Jackson County Jail (Vergewaltigt hinter Gittern, Michael Miller, 1976)

Jackson County Jail, Ende 1975 für $500.000 in vier Wochen gedreht, ist eine der ganz wenigen Eigenproduktionen von Roger Cormans New World Pictures, die sowohl beim Publikum als auch bei der Kritik gleichermaßen Erfolg hatten. Der Film spielte $2,3 Millionen ein, avancierte hiernach zum Kult-Film und wurde von Quentin Tarantino als einer der Filme für das erste “Quentin Tarantino Film Fest” 1996 in Austin, Texas ausgewählt. Der bedeutendste Filmkritiker der USA Roger Ebert bezeichnete den Film als “kraftvoll und ehrlich”, Vincent Thomas nannte ihn ein “erschütterndes Bild des zweihundertjährigen Amerika” und Vincent Canby sah in ihm ein Beispiel “eines Filmemachens von unbamherziger Energie und von erschütternder Anziehungskraft, das an die Agit-Prop-Melodramen der 30er Jahre erinnert.” Und Roger Corman sowie der zu diesem Zeitpunkt 36-jährige Regisseur Michael Miller hatten genau dies im Sinn, wie Miller selbst erzählte: “Ich wollte einen Film über die Zweihundert-Jahr-Feier drehen. Ich wollte, dass der Film eine Metapher dafür ist, wo ich das Land 1976 sah: Es gab einen große Auseinandersetzung um Frauenrechte, es gab viel Verständnis für kriminelle Handlungen und es gab eine Menge Idioten, die diesen 4. Juli feierten, bei dem die Polizei tatsächlich auch Menschen in Paraden abschoss.”

Dinah: Yvette Mimieux

Damit wären wir bereits bei der Handlung: Für die in der Werbebranche arbeitende Dinah Hunter (Yvette Mimieux) beginnt der Tag, der für sie alles verändern wird, nicht gerade angenehm als ein Kunde sie bei einer Testvorführung mit typischen Macho-Stereotypen auflaufen lässt. Zuhause angekommen, muss sie auch noch feststellen, dass ihr Mann sie mit einer Jüngeren betrügt, sie kurzerhand fallen lässt und sogar aus ihrem gemeinsamen Haus wirft. Dinah entschließt sich bei einer Freundin in New York ihren alten Job wieder aufzunehmen und macht sich von Los Angeles aus mit dem Auto auf den Weg quer durch die USA. Unterwegs nimmt sie zwei Tramper (Robert Carradine und Nancy Lee Noble) mit, doch die ziehen plötzlich eine Waffe und stehlen ihr des Nachts irgendwo auf dem Lande in Jackson County ihr Auto sowie ihre Handtasche mit ihrem Geld und ihren Papieren. Dinah schleppt sich in ein verlassenes Diner, will dort die Polizei anrufen, doch der Barkeeper Dan (Britt Leach) bedrängt sie in eindeutiger Absicht. Als schließlich im letzten Moment ein Deputy des County-Sheriffs auftaucht, glaubt dieser allerdings dem Barkeeper, der behauptet Dinah habe ihn angegriffen. Da sie zudem ihre Identität nicht nachweisen kann, wird sie verhaftet und in das Gefängnis von Jackson County gesteckt – auf dem Lande hält man zusammen.

Blake: Tommy Lee Jones

In ihrer Nachzbarzelle liegt der Kriminelle Blake (Tommy Lee Jones), der unter Mordanklage nach Texas ausgeliefert werden soll. Sheriff Dempsey (Severn Darden) erklärt Dinah, dass sie die Nacht im Gefängnis bleiben muss, bis er ihre Identität endgültig festgestellt hat. In dieser Nacht wird Dinah von dem hinterwäldlerischen Nachtwächter Deputy Hobie (Fredric Cook) brutal vergewaltigt. Dinah nimmt nach dem ersten Schock einen Holzstuhl und schlägt hiermit den Deputy tot. Blake schnappt sich die Schlüssel und bricht nun mit Dinah aus. Die beiden fliehen in Hobies Pickup. Bei der anschließenden Verfolgungsjagd kommt Sheriff Dempsey bei einem Unfall ums Leben. Die beiden sind nun Cop-Killer. Sie verstecken sich zunächst bei Blakes outlaw-Freunden – darunter Pearl (Mary Woronov) – in einer Scheune in den Bergen. Ein erste Angriff zweier Polizisten kann von den schwer Bewaffneten noch abgewehrt werden und Dinah und Blake fliehen weiter auf eine verlassene Ranch.

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THE STUDENT NURSES (1970) von Stephanie Rothman

The Student Nurses (Stephanie Rothman, 1970)

„Roger Corman, der seine politische Haltung selbst einmal als ‚liberal bis radikal’ beschrieben hat, hatte zu Beginn der siebziger Jahre mit ‚New World Pictures’ und Filmen wie Big Doll House (Jack Hill, 1971) eine neue Exploitation-Erfolgsformel etabliert, ‘Filme’, so Corman‚ ‘die aus einer Formel Gestalt annahmen, nach der ich bereits seit einiger Zeit gearbeitet hatte: in der Jetzt-Zeit angesiedelte Geschichten aus einem liberalen bis politisch linken Blickwinkel mit etwas ‘R-rated’-Sex (ab 17) sowie Humor. Aber es sollten keine Komödien sein. Ich bezweifle ganz ehrlich, dass die linke Gesinnung oder Botschaft für den Erfolg der Filme, die wir machen wollten, entscheidend gewesen ist, aber es war für die Filmemacher und für mich selbst wichtig, dass wir mit diesen Filmen auch etwas zu sagen hatten’“ (aus meiner Besprechung von Black Mama, White Mama).

The Student Nurses

Während Big Doll House einen ganzen Zyklus von Woman in Prison-Filmen ins Leben rief, folgten Stephanie Rothmans The Student Nurses eine ganze Reihe von „Three-girl-movies“ (oft waren es auch vier), in denen eine Gruppe junger, gutaussehender Frauen als auszubildende Krankenschwestern, Lehrerinnen, Stewardessen oder Models ihre Abenteuer zwischen persönlichen und politischen Problemen der Zeit und Female sexual empowerment erlebten: Private Duty Nurses (George Armitage, 1971), Night Call Nurses (Jonathan Kaplan, 1972), The Young Nurses (Clint Kimbrough, 1973), The Student Teachers (Jonathan Kaplan, 1973), Fly Me (Cirio H. Santiago, 1973), Candy Stripe Nurses (Alan Holleb, 1974), Summer School Teachers (Barbara Peeters, 1974) und Cover Girl Models (Cirio H. Santiago, 1975). Waren diese Filme auch kommerziell extrem erfolgreich, so schwankten sie doch in der Qualität erheblich, da Corman seinen Nachwuchsautoren und –Regisseuren in der Regel freie Hand ließ – nach Jonatahn Kaplan lautete seine einzige Vorgabe: “Ich will Nacktheit vom Bauch aufwärts, vollständige Nacktheit von Hinten, keine Schambehaarung zeigen – an die Arbeit!”

Brioni Farrell

Summer School Teachers – Drehbuch und Regie von Barbara Peeters – hielt Roger Corman dabei selbst für den Film mit dem stärksten Statement für das Female Empowerment der „New World Pictures“, für Quentin Tarantino war dies Jonathan Kaplans Night Call Nurses, für ihn ein „klassischer Mix aus Sex, Nacktheit und politischer Bewusstheit.“ Beide Filme wurden – ebenso wie The Young Nurses, Candy Stripe Nurses und The Student Teachers – von Roger Cormans Ehefrau Julie Corman produziert. “Roger hat”, so jedenfalls die Regisseurin Linda Shayne, “mehr Frauen für leitende Positionen gefördert, als wahrscheinlich jeder andere Person, die mir bekannt ist.” Hierzu zählte auch Stephanie Rothman, jüdischer Abstammung und 1936 geboren, die erste Frau überhaupt, die ein Stipendium von der “Directors Guild of America” erhielt. Rothman, die 1964 als Assistentin für Corman begonnen hatte, erzählte 2010 im Austin Chronicle über ihre Arbeit an The Student Nurses: “Zu Beginn habe ich noch nicht einmal gewusst, dass ich Exploitation-Filme gemacht habe. Ich habe von dem Begriff zum ersten Mal in einer Kritik zu The Student Nurses gehört. Ich habe einfach gedacht, ich mache Low-Budget-Genre-Filme. Aber, wie immer man das, was ich gemacht habe, auch genannt hat, so hat es mich doch irritiert, dass viele Filme aus dieser Zeit, welches Budget sie auch immer gehabt hatten, in vielem so unehrlich gewesen sind, von ihrem Umgang mit Sexualität, bis hin zum Umgang mit sozialen Konflikten.”

The Student Nurses

Stephanie Rothman, die Roger Corman “den einzigen Mentor, den ich jemals hatte” nannte, erzählte rückblickend auch von den Möglichkeiten, die das (S)Exploitation-Genre ihr boten sowie von den Freiheiten, die Corman seinen Regisseuren ließ, solange sie die kommerziell erfolgreichen Formeln der “New World Pictures” bedienten: “Da ich nicht wusste, wie lange ich überhaupt Filme, welcher Art auch immer, machen konnte, habe ich mich entschlossen, zu sagen, was ich wollte, solange ich die Chance dazu erhielt, statt nur auf Nummer Sicher zu gehen. Die Leute haben registriert…, dass in meinen Filmen Frauen in ihrem Denken und Handeln unabhängig sind. Ich denke, dies fiel vor allem deshalb auf, da die Rollen, die für Frauen in dieser Zeit für gewöhnlich geschrieben wurden, diese auf abhängige Personen reduzierten. Es war in der Tat meine Absicht, dies in meinen Filmen anders zu machen. Ich wollte etwas erschaffen, das ich auch in der wirklichen Welt sehen wollte, gleichberechtigtere Geschlechterrollen, einfach ein Machtgleichgewicht zwischen den Geschlechtern. Darum auch sind in einigen Szenen die Männer ebenso nackt, wie die Frauen, was seinerzeit definitiv nicht die Regel gewesen ist. Aber, ich wollte die Unabhängigkeit der Frauen bis zu einem Punkt treiben, an dem der Sinn und Zweck ihres Lebens nicht mehr nur im Heiraten besteht. Einige Frauen haben so in den 70ern bereits gelebt, aber damals war dies im Leben wie im Film noch eine neuere Vorstellung, als sie es heute ist.”

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THE SWINGING CHEERLEADERS (1974) von Jack Hill

The Swinging Cheerleaders (Footballmatch und süsse Girls, Jack Hill, 1974)

Seinerzeit ein großer Erfolg an den Kinokassen, war es wieder einmal Quentin Tarantino, der The Swinging Cheerleaders aus der Vergessenheit holte und den Film als Beitrag für das erste “Quentin Tarantino Film Fest” 1996 in Austin, Texas auswählte. 2016 erschien der Film dann restauriert bei Jack Hills europäischer “Hausfirma” Arrow Video als Blu-ray, wie üblich mit einem Audiokommentar des Regisseurs versehen. Das Cheerleader-Genre nahm mit der Sex-Klamotte Mir hat es immer Spaß gemacht (The Naughty Cheerleader, Will Tremper, 1970) seinen Anfang in Deutschland, brachte in den Siebzigern solche Filme wie The Cheerleaders (Fans – Fans – Fans – Runter mit den Pants, Paul Glickler, 1973) und The Pom Pom Girls (Mach mich nicht an!, Joseph Ruben, 1976) hervor und mündete dann am Ende des Jahrzehnts – quasi naturgemäß – in dem Hardcore-Porno-Hit Debbie Does Dallas (Im Dutzend williger, Jim Buckley, 1978). Cullen Gallagher: „Bei grob gesagt etwa ein Dutzend Filmen, über das Jahrzehnt verteilt, beginnend 1970 und offenbar bereits um 1980 wieder aus der Mode kommend, ist The Swinging Cheerleaders der Höhepunkt der Serie. Er ist nicht nur der am besten gemachte (was Produktion, Besetzung, Drehbuch und Regie betrifft), sondern auch der einzige, der einen Stempel von Autorenschaft trägt (Hills Ästhetik ist ganz klar über den gesamten Film präsent). Zudem ist er auch offensichtlich der sozial und politisch Bewussteste, ein Film, der die Aufmerksamkeit – und seine Kritik – auf den voyeristischen Erotizismus lenkt, in dem sich die anderen Filme weitestgehend erschöpfen.“

Rosanne Katon, Rainbeaux Smith und Jo Johnston

The Swinging Cheerleaders, ebenso wie der darauffolgende Switchblade Sisters (Die Bronx-Katzen/Die Switchblade Sisters, 1975) von John Prizer für “Centaur Pictures” produziert, ist in der Tat einer jener Filme, die – vielleicht mit der Ausnahme von Stephanie Rothmans The Student Nurses (1970) – nur Jack Hill hervorgebracht hat. Auf der Grenze von Exploitation und Sexploitation ist er für das Sub-Genre des Cheerleader-Films das, was Spider Baby (1967) für den Horrorfilm, Pit Stop (1969) für das Carsploitation-Genre, Big Doll House (1971) und The Big Bird Cage (1972) für das Woman in Prison-Genre, Coffy (1973) und Foxy Brown (1974) für den Blaxploitation-Film und Switchblade Sisters (1975) für das Girlsgang-Genre sind: weist er an der Oberfläche auch sämtliche exploitativen Elemente des Genres auf, so ist er zugleich ein starkes anti-kapitalistisches Statement, eine deutliche Zurückweisung der Genre-üblichen Klischees und Ausbeutungsmuster und dabei ein eindeutiges Plädoyer für die Selbstbestimmung und das Empowerment, in diesem Fall der Frau.

Zur Handlung: Die feministische Aktivistin Kate (Jo Johnston) will am Mesa State College in Colorado als Cheerleader undercover aufdecken, wie erniedrigend und ausbeuterisch diese Praxis in ihren Augen ist. Sehr zur Freude ihres Hippie-Freundes Ron (Ian Sander), eines dogmatischem Linken, mit dem sie zusammen die Campus-Zeitung herausgibt. Schon bald befreundet sie sich mit zwei weiteren Cheerleadern, der schwarzen Lisa (Rosanne Katon), die eine heimliche Affäre mit ihrem – ebenfalls schwarzen – Englisch-Lehrer Prof. Thorpe (Jason Sommers) hat, sowie mit der blonden Andrea (Rainbeaux Smith), die noch Jungfrau ist und mit dem Gedanken spielt, ihre Jungfräulichkeit einmal an ihren Freund Ross (Ric Carrott) zu “verschenken”.

The Swinging Cheerleaders

Nachdem Kate die Macho-Avancen des Star-Quarterbacks des Footballteams Buck (Ron Hajek) zunächst selbstbewusst zurückgewiesen hat (“Du glaubst, Du kannst mich haben, indem Du mir einfach hinterherpfeifst? Du denkst, Du müsstest nur an der Tür klingeln, einfach eintreten und schon wärst Du zuhause, oder nicht? Typisch für Euch kindischen, schweinsgesichtigen Sportskanonen. Aber, weißt Du was, ich suche mir meine Sexpartner selber aus!”), geht sie aus eigenen Stücken doch noch eine Beziehung mit ihm ein, nicht gerade zur Freude von Bucks Freundin Mary Ann (Colleen Camp).

Nichts läuft so, wie von Kate und den beiden Coming of Age-Girls Lisa und Andrea geplant. Ron, dessen linke Anmutung sich hierbei nur als aufgeblasene, selbstherrliche Fassade erweist, setzt die jungfräuliche Andrea unter Alkohol und läd seine Freunde hiernach skrupellos zu einer Massenvergewaltigung (“Gang Bang”) an dem Mädchen ein. Lisa wird von der Frau des Professors (Mae Mercer), die schon längst von der Affäre ihres Mannes erfahren hat, deutlich mit einem Klappmesser zurechtgewiesen: “Ich habe hart dafür gearbeitet, um diesen Mann in der Schule zu halten, meine besten Jahre damit verbracht, um ‘Ja, Frau Soundso’, ‘Nein, Frau Soundso’ und ‘Ja, mein Herr’ zu sagen und die Scheiße aus weißen Babies herauszuwaschen. Und nun, wo er es endlich zu etwas gebracht hat, kommt ihr kleinen Penner daher, und wackelt mit Euren schwarzen Ärschen und Titten und glaubt allen ernstes, Ihr könntet mir meinen Mann wegnehmen?”

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SUPER FLY (1972) von Gordon Parks, Jr.

Super Fly (Gordon Parks, Jr., 1972)

Der Blaxploitation-Boom Anfang bis Mitte der 70er Jahre im US-Kino war sicher Vieles, vor allem aber war er auch ein Phänomen New Hollywoods. Der Begriff “Blaxploitation” selbst stammte dabei von Melvin Van Peebles, der 1971 mit seinem für 150.000 Dollar unabhängig gedrehten Action Thriller Sweet Sweetback’s Baadasssss Song etwas über 15 Millionen Dollar einspielte, ein Begriff, mit dem sich zwar später kaum einer der damaligen Protagonisten so richtig glücklich zeigte, doch lässt der Begriff zumindest erahnen, dass aus Sicht der Hollywood-Studios das schwarze Publikum schlicht als ein neues, einnahmeträchtiges Marktsegment gesehen wurde. Dies betraf die Independents (wie die American International Pictures oder New World Pictures) ebenso, wie die großen Studios Warner oder MGM. Tatsächlich standen die großen Studios zur Zeit New Hollywoods finanziell unter enormen Druck, ihr kostenintensives, schwerfälliges Studiosystem überhaupt noch aufrecht erhalten zu können.

So kopierte man schließlich die Independents, nahm unabhängig produzierte Filme in den Vertrieb – mit Erfolg. Shaft (Gordon Parks, Sr., 1971) spielte für die MGM 13 Millionen Dollar ein, der Blaxploitation-Western mit Fred Williamson The Legend of Nigger Charley (Martin Goldman, 1972) wurde der größte finanzielle Erfolg der Paramount in diesem Jahr und Warner verdiente mit Gordon Parks, Jrs. Super Fly sage und schreibe 26,8 Millionen Dollar innerhalb von zwei Jahren (bei einem Budget knapp unter 500.000 Dollar).

Super Fly wurde dabei so etwas wie der Überfilm der gesamten Blaxploitation-Welle, nicht nur aufgrund seines enormen Erfolges an den Kinokassen, auch Curtis Mayfields Soundtrack wurde ein Klassiker und Millionenseller, machte ihn quasi über Nacht zum Star; vor allem aber ist Super Fly einer jener Filme, mit denen das Blaxploitation-Kino auf den künstlerischen Auf- und Umbruch New Hollywoods unmittelbar reagierte. Gemeinsam mit dem späteren Willie Dynamite (Gilbert Moses, 1974), stellte Super Fly gewissermaßen die schwarze Version eines kritischen, sozial bewussteren und – zumindest vom Anspruch her – realistischeren Kinos dar, für das New Hollywood bis heute mit Filmen wie Midnight Cowboy (Asphalt-Cowboy, John Schlesinger, 1969) oder They Shoot Horses, Don’t They? (Nur Pferden gibt man den Gnadenschuß, Sydney Pollack, 1969) steht.

Zur Handlung: Der mit Kokain dealende “Youngblood Priest” (Ron O’Neal) – der hier erstmals eines jener “Pimpmobile” fährt, mit denen Drogendealer, Gangster und Pimps in den 70ern Jahren die Straßen amerikanischer Großstädte befahren sollten – will mit seiner “Familie” von 50 für ihn arbeitenden Pushern noch einmal 30 Kilo Kokain unter die Leute bringen, um hiernach mit dem verdienten Geld endgültig “von der Straße wegzukommen” und gemeinsam mit seiner schwarzen Freundin Georgia (Sheila Frazier) – eine weiße Freundin hat er auch – ein neues “Leben” beginnen zu können. Sein ehemaliger Mentor Scatter (Julius W. Harris), der mittlerweile aus dem Drogengeschaft ausgestiegen ist, soll ihm dieses Kokain besorgen. Weder bei Scatter noch bei seinem Partner Eddie (Carl Lee) stößt dieses Vorhaben Priest Anfangs auf viel Gegenliebe. Als beide sich schließlich dann doch noch darauf einlassen, hat Priest die korrupte Polizei mit Deputy Commissioner Reardon (Sig Shore) im Hintergrund am Hals, die von Priest nun den Anteil verlangt, den sie zuvor von Scatter einkassiert hat.

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